中国画教学和中国画创作

    
    20世纪之前的中国画教学采用的是师徒制，从临摹入手，培养了那时的中国画画家，其中的利弊是大家知道的；20世纪以来，按照西方模式办美术教育，在学校（院）里的中国画教学，受到西画教学模式的影响，从素描着手，强调写生，结合古画的临摹（对临摹的重视，各院校的情况不完全一样），又培养了一批另外类型的中国画家。今天我们站在新的高度审视中国画教学问题，当然会有新的认识、新的思考和新的抉择。首先，我们必须总结上一世纪尤其是1949年之后中国画教学的经验、教训。这几十年的道路曲曲折折，有两个时期比较重要，一个是50—60年代初，一个是1979年之后到现在近20年的时间。现在学校里的骨干教师，画坛上活跃的中青年画家，大多数是在这两个时期接受中国画教育的。同时，我们也得看看1949年之前的情况。在回顾、总结时，我们有个参照系，那就是20世纪之前的中国画教学和创作。当然，今天由我们来总结和整理我们经历过的事情，很难客观、公正和科学。这没有办法，尽力而为之，任何人的思考、眼光和见解，不可能不打上时代的烙印。
    中国画教育中最重要的问题，是临摹、写生、创作三者的关系如何处理，它们各自占有多大的比重，它们如何谐为一体地在培育中国画创造人材中发挥作用。这是在50年代就热烈讨论过的问题，近20年来也没有停止过争论。争论的各方，都认为在中国画教学中要包括这三方面的内容。只是三者的先后、比例以及具体的安排，有不同的认识和做法。有两所学院大家公认为是有代表性的，这就是中央美术学院（北京）和中国美术学院（杭州）。解放之后，这两所美术学院都拥有过杰出的中国画教育家，也都培养了不少杰出的中国画创造人才。新浙派、新京派（姑且这样称呼它）就主要是这两座学院培养出来的画家挑起大旗的。这两创作派别、这两所学院的中国画教学有什么特点，有什么共同处，又有什么差异，社会上、国画界有各种议论，这是很自然的。我想，它们都是在中西融合大文化背景下产生的，都有艺术面临现实，关注人生的思考、认识和自觉的追求；也同样，他们在教学和创作实践中，也或迟或早地加深了对传统文化修养、传统绘画技巧在现代中国画教学中重要性的认识。传统精神与技巧在许多方面体现在笔墨之中，而对笔墨的认识与理解必须通过对经典古画的临摹方可获得。这两所院校中临摹课的比重逐渐增加，说明大家对传统的重视。这里有两个情况值得提一提，一就是中国文人画传统中人物画比较薄弱，学习人物画的画家当然也要上临摹课，要临摹人物、山水、花鸟，以体验笔墨的精神，掌握笔墨的技巧，但相对山水、花鸟画专业的学生来说，他们要更多地掌握写实造型能力。这写实造型能力的掌握，有多种途径，民族传统的经验和技巧积累是一种，西画的素描造型又是一种，只是后一种即西画的写实造型需融入中国画的格调与情趣之中；二就是对临摹的摆法，从临摹入手学习中国画，大家意见比较一致，但是不是要在中国画教学中提以临摹为主的主张，则有不同的看法，有人主张“三三制”，即临摹、写生、创作各占三分之一。不过有一点大家的意见是一致的，那就是临摹的目的是让学生掌握传统精神，从而培养他们的创造能力。总之，在上述两校以至其他院校中，具体做法不完全相同，在这种情况下强求统一是不可能的，只有在实践中允许做不同的试验，才是明智的做法。艺术创作允许有不同流派，而且有成就的派别愈多愈好，同样，艺术教育中也允许有不同学派，这样，中国艺术教育才会生气勃勃，中国画坛才会充满活力。
    参加首届黄宾虹奖评选的11所艺术院校都有丰富的教学实践经验，他们选送的作品都显示了各自出色的教学和创作成果。相信通过这次评奖活动，将会进一步推动中国画教学改革的步伐，使其更具中国传统精神，更符合新世纪人们对中国画的期待。
    国画的美感与欣赏
    对于一般人来说，能否欣赏一幅绘画作品常常是能否“看懂”，他们的欣赏步骤是：画的是什么？画得像不像？画家画这种形象的寓意是什么？如果都回答出来了，便认为是看懂了，如果回答不出来，便认为是看不懂。这种方法就是一种传统的讲“故事”的方法，他们对于绘画作品的欣赏往往过多借助“文学性”的描述。那么，用这种方法来欣赏中国画，一般来说，工笔的、写实的作品就容易欣赏，因为它是具体、真实，看得懂。
    但如果是粗放的。写意的作品，尤其是水墨写意的作品，就较难欣赏了，因为它不写实，形象不具体，就看不懂，而且更无从知道作者的寓意了。当然，一般人用这种方法欣赏绘画是完全可以理解的，因为画得像，看得明白，才容易引起联想、产生共呜。但是我们必须明白，一幅绘画作品的好坏，却不是以“像”或“不像”来衡量的。
    就艺术而论，我们衡量一件绘画作品的好坏，或我们欣赏一件绘画作品，首先不在于它像或不像，而在于绘画作品的主题，或者说绘画作品中所辐射出的某种观念、某种思想、某种情绪，能否紧紧地抓住观赏者的心弦，能否给人以充分的艺术审美享受，并使人从中获得某种启迪和教育。应该说，这才是一切艺术作品的真正目的。像与不像仅仅只是作品一种达到目的的手段而不是目的本身。因此像与不像就不能作为衡量作品的好坏或欣赏作品的标准。
    那么，画家们是怎样来看画的呢？就国画而言，内行人看画一般是看画面的整体气势，用美术术语来说就是先体味其“神韵”，或者“神似”，然后再看它的笔墨趣味，构图、着色、笔力等。最后才看它的造型，即像不像或“形似”。内行人的这种抓“神韵”的欣赏方法当然是抓住了实质，因为“神韵”就是一种高的艺术审美享受，常常是中国画家们的追求达到的目标。
    当然，一般的人要从画中去体验到一种“神韵”却并不是一件容易的事，那不但需要一定的审美能力、艺术修养，也还需要具备一定的绘画方面的基本知识，特别是通过绘画而训练出来的一种“感觉”。所以要很好地欣赏绘画，还得具备多方面的才能和艺术修养。
    但是，如果我们从以下几个方面去欣赏绘画作品也许更能理解一些。有人提出，艺术的欣赏需要经过审美感知、审美理解和审美创造三个阶段，那么从这样三个方面去欣赏绘画作品是很有道理的。
    审美感知就是要求我们直观地去感知审美对象，即艺术作品本身，我们可以去感知作品上画的是什么？画得像或是不像，色彩是鲜明的或是灰暗的，线条是流畅的或是笨拙的，表现手法是工笔的或是写意的等等，总之要自己亲自地平心静气地进行直观的感受。第二步，在审美感知的基础上进行审美理解。即在直观感受的基础上，进行理解和思考，把握作品的意味、意义和内涵。这种理解包括对作品的艺术形式和艺术技巧的理解；对作品表现的内容和表达的主题的理解；以及对作品的时代背景和时代精神的理解等等，这就需要充分调动我们的思考能力。
    我们可以一步一步地想下去：作品画的内容要表现什么？是怎样表现的？所采用的艺术手段是否恰当？能否充分地表达出主题？同时，透过作品的画面，猜测作者的心思，是热情地歌颂或是辛辣地讽刺；透过画面的气氛，体验画面的情调：是深沉或是豪放，是乐观或是悲伤。再还可以根据已有的知识结构，结合作者的身世、创作特点和所处的时代背景等进行分析。
    到了这一步，艺术的审美欣赏并没有完结，还有一个审美创造阶段。就是通过审美的感知和审美的理解后，在对作品审美的基础上进行再创造，通过自己积累的审美经验、文化知识、主活阅历等进行丰富的联想、升发开去，再创造出一个新的意象来。这样，你才真正获得了启迪和教育，欣赏绘画才获得了真正的意义。青少年朋友们不妨用这种方法去欣赏中国画（或其他绘画），认真试一试，看能否有所收获。